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NOVEDADES

TRADICIÓN E INNOVACIÓN EN EL TEATRO ESPAÑOL ACTUAL, de Francisco Gutiérrez Carbajo   BAJO EL PARAGUAS DE BARAKA de María Caudevilla

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 FOTOGRAFÍAS DE UN HOMBRE TRISTE de IVÁN CERDÁN BERMÚDEZ 22 MONÓLOGOS DE CUENTO (VV.AA.) 

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Tapa blanda, 300 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-8-5

Francisco Gutiérrez Carbajo es Catedrático de Literatura Española, Académico de número de la Academia de las Artes Escénicas de España y Académico correspondiente por Madrid de la Reial Acadèmia de Bones Lletres. Ha sido presidente de la Asociación Española de Semiótica, Decano de la Facultad de Filología de la UNED y ha impartido clases en universidades europeas, africanas y americanas. Pertenece a los comités científicos de revistas internacionales de impacto y ha publicado numerosos trabajos y más de cuarenta libros en editoriales de reconocido prestigio.

Una de sus principales líneas de investigación es el teatro, a cuyo conocimiento y difusión ha dedicado numerosos libros y ediciones críticas.

Tradición e innovación en el teatro español actual es una reelaboración de algunos de sus trabajos, donde aborda con su lúcida escritura la escena actual, tanto en lo que tiene de pervivencia del mundo clásico como en sus aspectos más innovadores. Después de un detallado “estado de la cuestión”, analiza el teatro de Miguel Hernández, la recreación de autores clásicos (Alonso de Santos…), de textos bíblicos (Riaza, Miras, Murillo y Corredoria), las adaptaciones (Lola Blasco…), las dramaturgias de Angélica Liddell y César López Llera, y la presencia de la medicina y de la física en Sanchis Sinisterra, Diana de Paco y Alfonso Vallejo.

Todo ello está introducido por un excelente trabajo del Catedrático César Oliva, uno de los más prestigiosos investigadores europeos del arte escénico en todas sus facetas.

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Plazo de entrega: 3-5 días laborables

Tapa blanda, 212 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-7-8

Se asiste en las últimas décadas a profundos cambios de paradigmas en las artes; y el teatro, permeable a su entorno, no es ajeno a estas transformaciones. La dramaturgia clásica se sustituye por otra deudora de la cultura de la imagen donde los principios canónicos se tambalean para transmitir sensaciones, experiencias o impresiones a través de fábulas fragmentadas, personajes que se desdoblan o una expresión de la temporalidad tan subjetiva como lo es la percepción de la misma. Los procesos de escenificación recogen, del mismo modo, una horizontalidad de las relaciones artísticas donde las fronteras entre sus integrantes son tan lábiles como creativas. Este es el contexto en el que germinan las dramaturgias de María Caudevilla que no son el resultado de un trabajo en el despacho, sino fruto de un conjunto de ideas que bullen en su imaginario, que traslada a los actores con los que trabaja, para darles forma más adelante en un texto, una vez que en los procesos de ensayos se han realizado las necesarias improvisaciones: “cada montaje parte de una idea que presento, nunca de un texto”, escribirá en el epílogo de este libro.
Surgen así, de los procesos de la Compañía Baraka Teatro que lidera desde el 2008, "Sueño Lorca o el sueño de las manzanas", "Miguel Hernández: labrador del viento" y "No somos ángeles". No en balde es el paraguas de la compañía el que da título a la publicación en un guiño de confianza ante una época de quiebras, desengaños y dolorosos contratiempos en los que el individualismo imperante es deliberadamente remplazado por el apoyo mutuo necesario sobre el que la directora-dramaturga cimienta su creación escénica. Las imágenes, la plástica, la sensorialidad, y otras cualidades “técnicas” aquí vertidas son las herramientas que aproximan al espectador o al lector a los temas existenciales que transitan los títulos presentes y todo su teatro: el ciclo vital del hombre, donde la adversidad, las contradicciones y el sufrimiento se reconocen, pero ante los que Caudevilla opone una actitud esperanzada de la que ella rebosa, o mostrando la cara amable y bella de las cosas, oculta en la negrura de amargas existencias, para apaciguar miedos e incertidumbres.

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Tapa blanda, 184 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-6-1

Con este libro Esperpento Ediciones Teatrales continúa la publicación de esta nueva colección de textos teatrales, que hemos denominado “Dramaturgia emergente”, con el segundo volumen de la serie. Este incluye obras de Laura Garmo, Benjamín Jiménez y Javier Liñera, tres autores que abordan la escritura teatral desde perspectivas bien diferentes, todas ellas arriesgadas, congruentes y muy bien trabajadas.

LAURA GARMO es actriz, directora de escena y dramaturga. En este volumen presentamos EL DULCE CREPITAR DE TUS HUESOS, obra que parte de la “obligación” que parece suponer la maternidad para las mujeres, sobre todo cuando llegan a cierta edad. La autora aborda el tema desde una perspectiva inusual y dota a la obra de una aureola que mezcla el cine negro y el teatro del absurdo.

BENJAMÍN JIMÉNEZ es licenciado en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, dramaturgo y director de escena. En este libro presentamos su obra titulada SUEÑAN LOS PECES CON HUELGAS GENERALES. Partiendo desde un punto de vista “postdramático” nos presenta un texto caleidoscópico fuertemente imbricado con el mundo que nos rodea, lleno de injusticias y sinsentidos.

JAVIER LIÑERA es Diplomado en Artes Escénicas, rama de interpretación, dramaturgo y director de escena. TENDRÍAMOS QUE HABER EMPEZADO DE OTRA MANERA es la obra que se incluye aquí. En clave de comedia negra nos muestra que el abismo de nuestros actos, y la morbosidad que a veces generan en el espectador, son solo un reflejo del horror con el que convivimos sin inmutarnos en esta sociedad cada vez más desnortada.

Las obras han sido prologadas por Ruth Sánchez González, Jana Pacheco y Alberto Conejero, respectivamente. La introducción y edición es de Fernando Olaya, editor de Esperpento Ediciones Teatrales.

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Tapa blanda, 360 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-5-4

Marlowe, ¿el verdadero Shakespeare? es un ensayo sobre la vida y la obra del poeta y dramaturgo Christopher Marlowe (1564-1593). En la primera parte del texto Jon Viar se centra en recabar toda la información posible sobre la vida y la muerte del poeta de Canterbury, explicando la Teoría Marlowe, según la cual, éste sería en realidad el verdadero autor de los textos atribuidos a William Shakespeare. En los siguientes capítulos, Viar compara minuciosamente las obras de Marlowe con las atribuidas a Shakespeare. El autor se sirve para el análisis dramático del “Gran Mecanismo” al que alude Jan Kott en Shakespeare, nuestro contemporáneo. Por eso el libro se subtitula Gran Mecanismo en el teatro de Christopher Marlowe.
Jon Viar se formó como actor en la Fundación Shakespeare mientras estudiaba Comunicación Audiovisual. Después estudió el Master en Historia del Drama en la Universidad de Alcalá de Henares, donde terminó sus estudios de doctorado.
Este libro cuenta también con el magnífico prólogo de Jon Juaristi, uno de nuestros mejores filólogos.

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Tapa blanda, 200 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-4-7 

El domador domado o El premio de la mujer de John Fletcher es una comedia que da una réplica rotunda y contundente a La fierecilla domada de William Shakespeare. No es una segunda parte, sin embargo, pues la obra de Fletcher crea una nueva trama y nos ofrece una visión radicalmente distinta a la de Shakespeare sobre la guerra de sexos.

En la pieza somos testigos de cómo María, segunda esposa de Petrucho, quien fuera el otrora domador de Shakespeare, consigue convertir a su marido en su igual mediante un inteligente plan que lleva a cabo con la ayuda de su prima, de su hermana y de otras mujeres que se unen a su causa. Si María consigue domar al domador, su intención no es la de ejercer una autoridad tiránica sobre él, sino la de que ambos sean cónyuges con idénticos derechos y obligaciones en su matrimonio. La audacia, agudeza y sabiduría de la protagonista revelan a John Fletcher como un dramaturgo comprometido con la igualdad entre hombres y mujeres, una actitud adelantada a su tiempo y que hacen de él una figura clave para las audiencias contemporáneas.

Ésta es la primera vez que El domador domado o El premio de la mujer de John Fletcher se traduce al español, lo que constituye un hito en el curso de la traductología teatral. La dramaturgia basada en la traducción de Laura Campillo, realizada por Mariano de Paco Serrano y Diana M. De Paco Serrano, fue utilizada en el primer y único estreno de la comedia en España hasta la fecha, que se llevó a cabo con gran éxito en la Universidad de Murcia en 2015.

Laura Campillo Arnaiz es profesora de Literatura Inglesa en la Universidad de Murcia, en donde se licenció en Filología Inglesa (1999), realizó un Máster de Traducción e Interpretación (2004)  y se doctoró con una tesis sobre las traducciones de Shakespeare en España (2005). Su investigación se centra en aspectos teóricos y prácticos de la recepción de las obras de Shakespeare en España a través de las traducciones. Asimismo, se dedica al estudio de las apropiaciones shakespearianas en la cultura popular, especialmente en películas de cine independiente y ciencia-ficción, series de televisión y fandoms de Internet.

 

 

 

 

 

 

 

 

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Tapa blanda, 248 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-3-0

Hernán Gené gusta de cultivar la paradoja y de provocar un medido desconcierto, y así lo prueba, una vez más, el título con el que ha bautizado este volumen.

Cuando René Magritte creó su famosísima y esmerada serie de cuadros en los que aparece la imagen de una pipa y la frase Esto no es una pipa (Ceci n’est pas une pipe), serie pictórica sobre la que tanto se ha hablado y escrito -y se sigue haciendo-, su autor estaba enunciando una obviedad: evidentemente, su obra no era una pipa, sino la imagen, la representación de una pipa. Pero tal obviedad ha inducido -e induce- a todo el arte contemporáneo a reflexionar sobre la imagen pictórica y su relación con el contexto y el espectador.

Con parecida ironía conceptual, desde el mismo título del libro, Hernán Gené nos advierte que las tres piezas de su autoría incluidas en él aún no son teatro, sino -todavía- textos, literatura. Él sabe que no lo serán hasta que, merced a un cúmulo de esfuerzos y talentos coordinados de director, intérpretes y demás colaboradores técnicos y artísticos, cada texto sea convertido en “hecho escénico”; esto es, en hecho vivo ofrecido sobre un escenario a la percepción de otros. Porque “teatro”, según indica su etimología, sólo es lo que es exhibido y ofrecido por alguien y visto y percibido por otros.

Tres textos, pues, pero rebosantes de posibilidades teatrales, como ya ha demostrado el mismo Gené al ponerlos en escena. Tres textos muy diversos en forma y contenido, pero con un denominador común: de diferente forma y con distintos métodos y estilos, en todos ellos irrumpe la realidad y se juega con el tiempo para hacernos conscientes, en algún momento de su desarrollo, del aquí y ahora de nosotros y de nuestro entorno. Hernán Gené, con mano de orfebre, rompe la ficción de la cuarta pared, interpela al público, recurre al absurdo, utiliza el drama o el humor desbordante y maneja con maestría el más excelso sentido poético o el incisivo apunte crítico.

Tres textos en busca de actores y director. Tres propuestas gozosas de leer, pero que esperan, exigen, demandan, que alguien, además del propio Hernán Gené, las convierta en teatro invistiéndolas de “forma escénica”. Un drama intrateatral de indagación poética y psicológica sobre la vulnerabilidad de la condición del actor (Mutis); una comedia clownesca que revisa y disecciona varias de las obras emblemáticas del más célebre dramaturgo isabelino (Desmontando a Shakespeare); y un experimento teatral, al límite del absurdo, sobre el tiempo, la ficción y la realidad (El gato que salta y el gato que cae). Tres creaciones -rabiosamente contemporáneas- con un recorrido emocional en el que se entrecruzan, convergen y divergen el humor, el amor y el dolor en afinado concierto, y en las que, en todo momento, reina la palabra y brilla la inteligencia.   

El prólogo ha corrido a cargo de Jorge Dubatti, y también han colaborado con sus palabras Joaquín Hinojosa, Fernando Sánchez-Cabezudo, Viviana López Doynel y Esther Acevedo.

ACLARACIÓN: Este libro más que en la colección "Teatro español" debería estar en la de "Teatro en español", más que nada por la argentinicidad de su autor.

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Plazo de entrega: 3-6 días laborables

Tapa blanda, 160 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-2-3

Un mundo no precisamente complaciente ni afable vuelve a impactarnos en el tríptico que compone Fotografías de un hombre triste, de título suficientemente significativo.  Existe el mismo cóctel explosivo de sexo desatado y alta cultura.  La confrontación de un discurso de alto nivel cultural y un discurso sexual sin pelos en la lengua. Pocas veces se ha nombrado y exhibido con mayor claridad y sin precauciones el combate por el poder entre sexo y cultura (¿pero no son lo mismo?).

La obra que abre el volumen, Hastío, es un thriller que evoluciona por diferentes derroteros en los que el reencuentro, la muerte, la culpa y el deseo se abrazan para encontrarse en un lugar que quizá no tenga nombre.  El nudo, la segunda pieza, podría considerarse en cierto sentido literatura de campus. Sentimientos e intereses entrecruzados que se van desenvolviendo en la acción y en los personajes. ¿Qué sucede en un día en la vida de un catedrático de Teoría de la Literatura? Elena, que cierra el volumen, es una propuesta con base metateatral. Se trata de una precuela de una de las obras más célebres y representativas de Anton Chéjov, Tío Vania, manteniendo los personajes chejovianos, pero localizando la acción en el hoy. El autor imagina qué podría haber pasado diez años antes de que aconteciera lo que el escritor ruso cuenta en su Vania. Elena tiene mucho de delicioso juego, impregnado del espíritu chejoviano, aunque sin renunciar a algún inesperado cambio.

El teatro de Iván Cerdán bebe de variadas fuentes teatrales y literarias, pero nunca abdica de su sello personal. Pone en pie personajes y situaciones creíbles y construye diálogos en los que muchas veces el coloquialismo revela toda su pujanza. Por otro lado, su gusto por el culturalismo no resulta superfluo, sino que es pertinente al insertarse de forma integrada en los conflictos que marcan cada obra y estallan en ella. Cerdán Bermúdez maneja con solvencia el conflicto, pilar del teatro.

Un mundo no precisamente complaciente ni afable vuelve a impactarnos en el tríptico que compone Fotografías de un hombre triste, de título suficientemente significativo.  Existe el mismo cóctel explosivo de sexo desatado y alta cultura.  La confrontación de un discurso de alto nivel cultural y un discurso sexual sin pelos en la lengua. Pocas veces se ha nombrado y exhibido con mayor claridad y sin precauciones el combate por el poder entre sexo y cultura (¿pero no son lo mismo?).

La obra que abre el volumen, Hastío, es un thriller que evoluciona por diferentes derroteros en los que el reencuentro, la muerte, la culpa y el deseo se abrazan para encontrarse en un lugar que quizá no tenga nombre. 

El nudo, la segunda pieza, podría considerarse en cierto sentido literatura de campus. Sentimientos e intereses entrecruzados que se van desenvolviendo en la acción y en los personajes. ¿Qué sucede en un día en la vida de un catedrático de Teoría de la Literatura?

Elena, que cierra el volumen, es una propuesta con base metateatral. Se trata de una precuela de una de las obras más célebres y representativas de Anton Chéjov, Tío Vania, manteniendo los personajes chejovianos, pero localizando la acción en el hoy. El autor imagina qué podría haber pasado diez años antes de que aconteciera lo que el escritor ruso cuenta en su Vania. Elena tiene mucho de delicioso juego, impregnado del espíritu chejoviano, aunque sin renunciar a algún inesperado cambio.

El teatro de Iván Cerdán bebe de variadas fuentes teatrales y literarias, pero nunca abdica de su sello personal. Pone en pie personajes y situaciones creíbles y construye diálogos en los que muchas veces el coloquialismo revela toda su pujanza. Por otro lado, su gusto por el culturalismo no resulta superfluo, sino que es pertinente al insertarse de forma integrada en los conflictos que marcan cada obra y estallan en ella. Cerdán Bermúdez maneja con solvencia el conflicto, pilar del teatro.

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Tapa blanda, 280 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-947904-0-9

22 MONÓLOGOS DE CUENTO es un libro de teatro breve en el que veintidós dramaturgos y dramaturgas actuales abordan la adaptación a este género teatral de un cuento clásico. De esta manera podemos encontrar monologados cuentos de grandes autores como Andersen, Boccaccio, Chateubriand, Chejov, Clarín, Dostoyevski, Grimm, Esopo, Gogol, Kafka, Perrault, Pirandello, Stevenson, Wilde, junto a otros de autores menos conocidos como Rosario de Acuña o Carmen de Burgos, así como algunos extraídos de la tradición derviche o de las 1001 noches.
Beatríz Bergamín, José y Javier Bizarro, Pablo Canosales, Iván Cerdán Bermúdez, Alberto Conejero, Rosario Curiel, Denise Despeyroux, José Ramón Fernández, Ozkar Galán, Enrique Galud Jardiel, Eva Hibernia, César López Llera, Javier Maqua, Carolina África Martín, Fernando Olaya, Diana M. de Paco Serrano, Raquel Pulido, Carmen Resino, Nieves Rodríguez Rodríguez, Laura Rubio Galletero, María Jesús Sánchez García y Vanesa Sotelo, por orden alfabético, son los autores que participan en este libro.
Cada autor y autora ha abordado esta adapción desde la libertad absoluta, por lo que los referentes de los cuentos unas veces son casi literales y otras veces más sutiles. Y, por supuesto, cada uno lo ha abordado desde su propia perspectiva artística, configurando así una enriquecedora amalgama de estilos.
22 MONÓLOGOS DE CUENTO está magníficamente prologado por Virtudes Serrano, una de nuestras más reconocidas investigadoras teatrales.

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Tapa blanda, 132 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-947904-1-6

Ludvig Holberg (Bergen 1684–Copenhague 1754) es considerado el padre de la literatura danesa y noruega. Fue un hombre de la Ilustración, de orientación pietista, viajero por Europa. Escribió obras de historia, filosofía, derecho, opera, poesía, ensayo, novela y comedia. Algunas son obras de referencia todavía hoy, y sus comedias no pasan de moda.
"Jeppe de la Montaña" (1722) es la comedia más conocida de Holberg. Es la historia de un campesino ebrio que se despierta en la cama del barón. Holberg le ofrece a su personaje la posibilidad de ser ‘rey por un día’, pero Jeppe no da la talla en su nuevo papel.
"Erasmus Montanus" (1723) es la historia del universitario Rasmus Berg que regresa al pueblo de sus padres convertido en un pedante petimetre. Erasmus o Rasmus ha aprendido a disputar en latín, pero es un pobre diablo incapaz de comprender y juzgar el medio en el que se encuentra.
Las comedias de Holberg son experimentos sociales, donde se pone a prueba el sentido común de sus personajes, unos caracteres fantasiosos, que atrapados entre los instintos más básicos y el esfuerzo por mejorar, son incapaces de conocerse a sí mismos. Viven en un sueño, del que Holberg los despierta de golpe.
Las obras han sido traducidas directamente del original danés al español. El traductor, Jorge Simón Izquierdo Díaz, es especialista en literatura y cultura nórdicas.

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Tapa blanda, 224 páginas. 13,8 X 21 cm. ISBN 978-84-946696-9-9

Autores: SARA GARCÍA PEREDA, CARLOS GOMARIZ, ACOYANI GUZMÁN

Con este libro Esperpento Ediciones Teatrales inicia la publica­ción de una nueva colección de textos teatrales, bajo el título ge­nérico de “Dramaturgia emergente”. Esta colección pretende dar voz a aquellos autores y autoras que se inician en la aventura de emprender una trayectoria en el ámbito de la escritura teatral. En este volumen presentamos tres obras que consideramos tienen una gran calidad y merecen llegar a las manos del ávido lector tea­tral, así como a los escenarios, en las mejores condiciones posibles.

Sara García Pereda es egresada de la RESAD en el itinerario de dirección y dramaturgia, además de actriz y dobladora. Aquí pre­senta su obra Aire siempre de viaje que nos hace transitar por el universo de los primeros amores. Como dice Yolanda Pallín en su prólogo “Aprendemos a amar a través de las ficciones y estas nos transmiten la temperatura sentimental del tiempo en el que fue­ron producidas”.

Carlos Gomariz responde más al perfil de actor inquieto que siente la necesidad de expresarse, también, a través de la escritura y la dirección de escena, de la que ya ha hecho gala en los circui­tos alternativos madrileños. En este libro se incluye su obra La caída que supone un acercamiento muy personal a las crueldades que generamos contra los miembros más indefensos de nuestra sociedad. Así lo apunta Jorge Muños en su prólogo “Es perverso y paradójico que nuestro estado de bienestar dé la espalda a una realidad que no quiere ver porque no es agradable, no es estética”.

Acoyani Guzmán es actriz, dramaturga y poeta. Estudió en el Centro Universitario de Teatro (UNAM, México) y tiene su propia compañía de teatro para bebés, “Bambola Teatro”. En este volu­men publica Todos los caminos conducen al Narco, una interesan­tísima visión de este tremento problema desde el punto de vista de la mujer. Rodrigo Johnson en su prólogo lo explicita así: “Todas ellas somos nosotros, el horror inspirado por la nota roja, que des­graciadamente en México se ha convertido en materia para hacer dramas cotidianos”.

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Tapa blanda, 132 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-946696-8-2

Este volumen recoge tres monólogos de carácter personal en los que Ester Bellver, actriz de larga trayectoria en nuestros escenarios, entrelaza con humor y tragedia la vida y el teatro; la niña con la mujer; la mujer con la actriz; la actriz con su abuela o la muerte de esta con la de sus hermanos caídos en guerra y la del padre de la misma intérprete.
El espejo de un camerino devuelve a la actriz el reflejo de ¿su? rostro maquillado, bajo él descubre unos ojos desconocidos, unos ojos que la están mirando... Ahí empieza todo, en el asombro que esta imagen un día desata.

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Tapa blanda, 204 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-946696-7-5

En este libro presentamos dos obras teatrales del dramaturgo Javier Maqua, polifacético artista que también ha ejercido como director de cine (Chevrolet, Carne de Gallina), televisión (Vivir cada día) y teatro (La soledad del guardaespaldas, entre otras muchas), además de guionista, novelista o periodista. Javier Maqua es, fundamentalmente, un hombre de su tiempo. Nacido en Madrid en 1945, aunque de origen asturiano, ha transitado por todos los estadios de la España actual. Y desde su perspectiva artística ha intervenido siempre con independencia y rigor en el mundo que le ha tocado vivir Y siempre desde planteamientos innovadores.

La función del orgasmo fabula el encuentro en el exilio estadounidense de Albert Einstein y Wilheim Reich, donde el sexólogo le explica al gran físico su teoría del "orgón", la energía de la vida, que podría constituirse en una fuente inagotable y limpia que solucionaría muchos de los problemas de la humanidad. El autor sitúa a tan ilustres personajes entre el drama y la comedia para pergeñar una obra llena de épica y nostalgia.

Papá quiere morir en casa es calificada por su autor como "libreto para ópera bufa" y narra los últimos días del dictador Francisco Franco. En plena y decadente senectud, este personaje verá como alrededor de su lecho de muerte se suceden las más surrealistas y ridículas situaciones entre aquellos que deberían de cuidarle.

El libro ha sido prologado por Beht Escudé y Alejandro Montiel, buenos conocedores de la obra de Javier Maqua, quienes proponen un lúcido acercamiento a las obras y al autor.

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Tapa blanda, 324 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-946696-6-8

Enrique Jardiel Poncela es uno de los grandes comediógrafos españoles del siglo XX. Sus obras han sido puestas en escena en todo el mundo. Su impronta como dramaturgo y humorista ha sido fundamental en la renovación del teatro español Su estilo ambivalente, su agudeza perceptiva, su perfecta carpintería teatral, su frescura imaginativa y su inagotable presentación de estupendos personajes le hacen único en el panorama del teatro de humor.
En este libro presentamos las dos últimas obras que escribió, antes de su temprano fallecimiento:
Los tigres escondidos en la alcoba es una comedia dramática, de corte policíaco, que presenta un disparatado golpe que unos truhanes, muy particulares, preparan en un lujoso hotel. No todo, ni todos, es (son) lo que parece(n) en esta disparatada comedia que dejará al descubierto las miserias que todos arrastramos.
Como mejor están las rubias es con patatas es una hilarante comedia antropológica que juega con la literalidad de su título para adentrarnos en una desternillante situación antropófaga, muy del gusto del autor, donde más que comernos a nuestros semejantes nos alimentamos de ellos.
Las dos comedias han sido editadas por el nieto del autor, que también ha escrito una magnífica introducción a las mismas. Enrique Gallud Jardiel es especialista en literatura humorística y en la obra de su abuelo, del que está rescatando y editando con gran acierto toda su obra, no sólo teatral, sino también narrativa y periodística.

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Tapa blanda, 200 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-946696-5-1

José Ramón Fernández es uno de nuestros mejores dramaturgos actuales. Ha recibido algunos de los más importantes premios de dramaturgia, como el Nacional de Literatura Dramática, el Lope de Vega o el Calderón de la Barca. Fue uno de los fundadores de Teatro del Astillero y sus obras han sido puestas en escena en múltiples escenarios de todo el mundo.
En este libro presenta dos de sus obras mayores: Mi piedra Rosetta y Nina, así como cuatro piezas breves (El silencio de las estaciones, Dos, Si amanece nos vamos y La misma arena) que en conjunto constituyen todo un alegato de teatro poético, un canto a la belleza, la soledad y la esperanza, donde el ser humano ocupa el lugar prominente que muchas veces parece haber abandonado debido a intereses más que dudosos.
Como señala en su magnífico prólogo Rosa Serrano Baixauli, “los textos de J. R. Fernández nos acercan a los seres humanos en las contiendas, a su sufrimiento, a su desazón, a sus pérdidas, sus miedos y su dolor. Da la voz a los que sufren e imploran la ayuda del resto para acabar con la injusticia, porque en una guerra no existen vencedores o perdedores cuando perecen vidas humanas. Y he ahí el valor del arte, del arte que nos salva la vida...”

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Tapa blanda, 140 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN  978-84-946696-4-4

José Bizarro (1978) y Javier Bizarro (1980) son dos hermanos que trabajan en el ámbito de la ilustración, la novela infantil y el teatro, donde ya han estrenado un músical infantil y han ganado algunos premios. Publican ahora tres obras teatrales, que como apunta Antonio C. Guijosa (Director de escena) en el prólogo, destacan por “La omnipresencia de la familia (especialmente de la figura materna y la del hijo abandonado) y el engaño como recurso recurrente de los personajes y como obstáculo a superar por ellos para poder tomar decisiones significativas.”
La acción de Aintzane discurre en un piso franco de la Bretaña francesa. Aintzane López alias “Giselle”, una sanguinaria terrorista de ETA, espera el anhelado momento de huir a México. Obsesionada con la idea de estar siendo observada y perseguida, Aintzane recibe la visita de Asier, un joven y desconocido compañero que trastoca sus planes de huida y al que utilizará en un juego macabro para conseguir huir de la telaraña en la que ambos se sienten atrapados y donde parecen tener mucho que esconder.
En Verjas (Accésit del V Certamen Nacional de Teatro “Dulce por Amargo”), Hugo y Jorge son dos hermanos que forman parte del numeroso grupo de ciudadanos europeos que esperan el ansiado momento de cruzar la verja kilométrica que separa Argelia de Mali con el objetivo de vivir el sueño africano, logrando de ese modo una vida mejor para ellos y sus familias.
Lobos con corderos es un carnaval violento de máscaras sobre la soledad, el sexo y la muerte. En medio de ninguna parte, un hombre y una mujer en una habitación de hotel evitan cruzar sus miradas. Son dos desconocidos enfrentados en un juego de chantajes que deberán resolver si quieren salir indemnes de la noche que está a punto de terminar. Una macabra historia donde cada objeto, cada palabra y cada gesto tiene su significado en la gran mentira que está a punto de desenterrarse.

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Plazo de entrega: 3-6 días laborables

Tapa blanda, 224 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-946696-3-7

El lector se enfrenta en este libro, en palabras del profesor Peral Vega, a tres nuevas obras de Jesús Carazo, muy distintas entre sí, y “que parecen responder, como un todo orgánico, a dos máximas (reconfiguradas) del pensamiento sartriano: su teoría sobre la mirada del otro y la condición del prójimo como infierno”.
En Pensión libertad, al tiempo que se deja sentir el placer del autor por indagar en la psicología femenina, se nos hace partícipes del proceso de desnudamiento y fragilidad de Olivia, Vera y Fanny, tres mujeres alojadas frente a la siniestra prisión donde se hallan recluidos, respectivamente, padre, marido y novio.
En Un alma a la deriva, mucho más homogénea en el trazo e intimista en el tono, se enfrentan una estudiante de Periodismo y la viuda de un afamado escritor. En esta pieza, las cicatrices labradas por el pasado comienzan a restañarse cuando las máscaras caen, y cuando las palabras, aun llenas de dolor, inician el camino de la verdad.
Cierra el volumen Una gloria local, con acordes que regresan a la comedia, mediante el asunto de la caprichosa gloria literaria. La muerte de un escritor y de su mujer los convierte en fantasmas en su propia casa, condenados a presenciar cómo dos empleados de la biblioteca municipal inspeccionan sus apuntes personales y el boceto de una nueva novela.
Jesús Carazo nació en Burgos a mediados del pasado siglo. Narrador y dramaturgo, ha obtenido diversos premios de novela. Es asimismo autor de varios libros juveniles que han cautivado a decenas de miles de lectores. En los últimos años, el teatro ocupa la mayor parte de su actividad creativa. Ha publicado una veintena de piezas, algunas de las cuales han sido representadas dentro y fuera de España. En noviembre de 2004, Último verano en el paraíso recibió el premio Lope de Vega. Y, desde hace diez años, Histrión Teatro pasea por nuestra geografía La reina que no quiso reinar, una pieza sobre Juana La Loca que ha superado ya las 200 funciones y obtenido tres nominaciones a los premios Max (mejor espectáculo, protagonista y autor). Sus obras han sido traducidas al vasco, catalán, francés, alemán e inglés. (Para más información: www.jesuscarazo.com).

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Tapa blanda, 204 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494669613

Teatro a ciegas es todo un hito dentro del panorama editorial de las artes escénicas en España. ¿Cómo una persona prácticamente ciega ha sido capaz de convertirse en uno de los críticos teatrales más lúcidos e influyentes del ámbito teatral madrileño? Esta es la odisea que nos regala José-Miguel Vila en este interesantísimo y ameno libro. Y no solo se nos plantea este proceso, sino que se incluyen también en el libro algunos de sus trabajos, que el autor considera “imprescindibles”, sobre los mejores y más influyentes espectáculos teatrales de los últimos años.
Periodista de formación, ha ejercido su profesión en diferentes medios durante más de 30 años. Ha trabajado y colaborado en agencias de prensa, periódicos, gabinetes de prensa, direcciones de comunicación, revistas y medios audiovisuales. Desde 2011 publica una columna periódica de opinión en www.diariocrítico.com, y desde 2014 hace también crítica teatral en esas mismas páginas electrónicas.
José-Miguel Vila también ha publicado otros libros, de diversa temática periodística, como Con otra mirada (2003), Mujeres del mundo (2005), Prostitución: Vidas quebradas (2008), Dios, ahora (2010), Modas infames (2013) y Ucrania frente a Putin (2015).
Teatro a ciegas ha sido prologado por Alberto Conejero, uno de nuestros mejores dramaturgos actuales.

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Tapa blanda. 340 pág. 15 x 24 cm. ISBN 978-84-946696-0-6

Las Comedias Bárbaras se componen de tres obras teatrales de Ramón del Valle-Inclán: Cara de Plata (1923), Águila de Blasón (1907) y Romance de Lobos (1908). Se trata de una trilogía ambientada en la Galicia rural de mediados del siglo XIX. Su protagonista es don Juan Manuel Montenegro, noble, mayorazgo, vinculero, hombre inhóspito para su tiempo pues parece vivir en un tiempo pasado que ya no existe.
Cara de Plata, aunque es la última obra que escribe y publica Valle-Inclán, figura en primer lugar en el orden cronológico de la trilogía. Continúa la acción en Águila de Blasón y se produce el desenlace en Romance de Lobos. De todas formas cada obra puede leerse y ponerse en escena independientemente, pues todas ellas tienen un planteamiento, nudo y desenlace, que la trilogía lo que hace es enmarcar a un nivel superior.
Ramón del Valle-Inclán es hoy una leyenda dentro de la dramaturgia en español. No solo por su enorme, prolija y majestuosa obra (que también alcanza la novela y la poesía), sino también por su propia personalidad. Alrededor de su figura se tejió toda una leyenda ya en vida, que no ha dejado de crecer un siglo después.
Entre su obra teatral, además de estas Comedias Bárbaras, destacan obras como Luces de Bohemia, Divinas Palabras, El marqués de Bradomín y muchas otras, algunas de ellas agrupadas bajo los nombres genéricos de Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, Martes de Carnaval o Tablado de marionetas para educación de príncipes.
Esta edición, el prólogo y el glosario que se incluye al final del libro, han sido elaborados de Fernando Olaya Pérez, dramaturgo y teatrólogo, editor de Esperpento Ediciones Teatrales.

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Tapa blanda. 196 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-9-0

La Necesidad del Náufrago está compuesta de dieciséis piezas breves. A partir de la anécdota y de conflictos en marcha, se plantean diálogos y situaciones aparentemente cotidianas que profundizan en las necesidades básicas del ser humano. En un mundo a toda prisa, pararse a pensar qué necesitamos aquí y ahora te pone al borde del precipicio. Estos personajes, más de cuarenta, transitan y caen en terrenos algo pantanosos pasando del drama a la comedia más desternillante y disparatada en menos de un suspiro. Como el suspiro rápido y fugaz de un náufrago.

Musarañas está integrada por nueve piezas en torno al recuerdo. Esos retazos que se guardan en el inestable mundo de la memoria. Aquellos recuerdos que permanecen cuando pasa el tiempo y que nos han hecho ser lo que somos hoy en día. Todos tenemos recuerdos y situaciones que marcan el mapa de nuestra vida y aquí podréis leer algunas de esas historias que nos han transformado durante nuestra infancia, juventud, madurez y vejez. Os invitamos a desempolvar vuestras musarañas.

Pablo Canosales es licenciado en Interpretación Textual por la ESAD de Sevilla y se halla cursando actualmente Dirección Escénica y Dramaturgia en la RESAD. En 2008 funda SIETEATRO PRODUCCIONES para la que ha escrito y dirigido cuatro espectáculos: Gerundio del Verbo Pensar (2010), London Don (2011), Musarañas (2013) y La Necesidad del Náufrago (2014). Además, ha sido el coordinador dramatúrgico y director del proyecto ¿Qué se esconde tras la puerta? (2016), que reúne a 27 voces de la dramaturgia española contemporánea y ha publicado la obra Ilústrame en el libro de teatro breve La paradoja del dramaturgo (2016) de Esperpento Ediciones Teatrales.

Este libro ha sido prologado por Alfonso Zurro, uno de nuestros mejores dramaturgos, magnífico director de escena y profesor de la ESAD de Sevilla.

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Tapa blanda. 232 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-0-7

Y mi voz quemadura (Premio Lope de Vega 2008) nos habla de una hermosa muchacha izquierdista, Gabriela Gottardi, de profesión actriz,  que es detenida, secuestrada y torturada  tal como ocurría en las pavorosas dictaduras del Cono Sur. La joven protagonista de Y mi voz quemadura se mantiene en absoluto silencio durante una gran parte de la obra. Y tiene razones poderosas para callar.

Raquel y Rachid es una tragicomedia con personajes marcadamente antagónicos. Raquel es una joven de 26 años, profesora de español. Rachid es un hombre de más de 50 años, marroquí, que es alumno de Raquel y que habla con dificultad el español.  Un día de huelga general, estos personajes tan radicalmente diferentes y tan radicalmente solos se irán encontrando y desencontrando en tres lugares solitarios e inhóspitos:

Alberto de Casso Basterrechea, Madrid, 1963, es un dramaturgo español que ha vivido también en Ghana  y Cuba. Ha conseguido algunos de los premios teatrales más destacados. En 1999 obtiene el premio Calderón de la Barca con Los Viernes del Hotel Luna Caribe, el Lope de Vega en 2008 con Y mi voz quemadura, El premio Escena contemporánea 2009 con El cuerpo oculto y el premio Lam de Sgae 2015 con La tarde muerta. Sus obras se han representado en España y Cuba.

Libro editado con la ayuda de la logoFSGAE_cmyk

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Tapa blanda. 308 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-8-3

La paradoja del dramaturgo es un libro de teatro breve en el que dieciocho dramaturgos y dramaturgas abordan, a través de sus obras, lo que significa escribir teatro y sus relaciones con los personajes y los actores, con todo lo que rodea esta forma de expresión artística. Al igual que Diderot describió la paradoja del comediante hace ya más de dos siglos, ahora nos planteamos si también sufre este mismo fenómeno, o algo parecido, el dramaturgo cuando aborda sus textos para el teatro.

Elena Belmonte, Pablo Canosales, Alberto de Casso, Iván Cerdán, José M. Corredoira, Yolanda Dorado, Juana Escabias, Juan Gª Larrondo, Yolanda Gª Serrano, Jerónimo L. Mozo, Miguel Ángel. Martínez, José Moreno Arenas, Miguel Murillo, Fernando Olaya, Diana M. de Paco, Alfonso Plou, Pedro Víllora y Alfonso Zurro, por orden alfabético, son los autores que participan en este libro.

Cada uno desde su propia perspectiva y desde propuestas formales muy diferentes, desde diferentes generaciones y lugares vitales, comparten sus más hondas reflexiones para comunicarnos la esencia misma de lo que significa escribir teatro. Escriben teatro para verlo sobre las tablas de un escenario, pero no renuncian al teatro como género literario.

La paradoja del dramaturgo está magníficamente prologado por Francisco Gutiérrez Carbajo, catedrático de literatura, cuya larga e intensa preocupación por el mundo escénico es ya todo un referente ineludible para los estudios literarios y teatrales.

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Tapa blanda. 212 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-1-4

José de Manjarrés y de Bofarull (Barcelona, 1816-1880) fue catedrático de Teoría e Historia de las Bellas Artes de la Academia de Barcelona y director artístico del barcelonés Teatro del Liceo desde su fundación. Publicó en su época numerosas obras sobre historia y teoría del arte. Su pasión por el teatro y la ópera también tiene mucho que ver con su amistad con algunos de los grandes actores de su tiempo como Pedro G. Mate, Carlos Latorre o Joaquín Arjona.

El arte en el teatro es un riguroso, y a la vez distendido, ensayo que gira alrededor de esos edificios que denominamos “teatros” desde la antigüedad hasta el siglo XIX.

El libro cuenta con un magnífico prólogo que ha sido elaborado por Guillem Tarragó Valverde, especialista en Manjarrés y en el arte catalán del siglo XIX.

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Tapa blanda. 172 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-7-6

María Jesús Sánchez García es profesora de Lengua castellana y Literatura y Griego en el I.E.S. Aldebarán de Alcobendas (Madrid). Desde muy joven se interesó por el teatro, primero como actriz en diversos grupos universitarios y luego desde el punto de vista teórico, estudiando en el Institut für Theaterwissenschaft de la Universidad de Múnich (Alemania) y doctorándose con una tesis sobre la estructura de la comedia clásica. Ha dirigido varios grupos de teatro y desde 2005 dirige el grupo de teatro joven del instituto donde trabaja, para el que ha escrito la mayoría de sus obras.

Entre damas anda el juego, estrenada en mayo 2014, es un homenaje a nuestro teatro del Siglo de Oro. Una pobre compañía de cómicas, todas mujeres, anda en busca de un galán al que acabarán dando una lección, en una obra donde todo el público forma parte de ese corral de comedias disparatado.

Todo va bien... ¿o no?, estrenada en 2013, obtuvo el Primer Premio de la Comunidad de Madrid y el Segundo Premio Nacional en la X Edición de los Premios Buero de Teatro Joven. La obra muestra simplemente a gente con problemas. Problemas que a veces, sin saberlo, se causan unos a otros.

Desde arriba, estrenada en mayo 2015, es probablemente la más extravagante de todas. Cuenta la historia de las víctimas de un accidente aéreo que han “subido” a un lugar misterioso donde contemplan el mundo desde esa perspectiva. La obra es una reflexión sobre la muerte, que está tan lejos y a la vez, a veces, tan cerca de los jóvenes.

Las obras han sido prologadas por Eduardo Galán, uno de nuestros más conspicuos y prolíficos autores teatrales, además de infatigable productor teatral.

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Tapa blanda. 212 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-2-1

El teatro de Lluïsa Cunillé traza una panorámica de la producción de la dramaturga catalana en el primer quindenio del siglo XXI, un corpus abundante y variado que ofrece un recorrido desdeformas esencialmente lacónicas —la célebre poética de la sustracción— hasta mostraciones más logocéntricas. El presente estudio destaca aquellos aspectos de su dramaturgia que se han visto reforzados o mayormente explotados en los últimos años: la multiplicación de las estrategias espacio-temporales; la ampliación del campo del personaje y su exploración a través de la palabra; la abertura a nuevos géneros; la creciente importancia de la música; la voluntad de dialogar con la tradición cultural, y la progresiva explicitación del compromiso político. Lo que no ha variado es la concepción de la escritura teatral como forma de resistencia artística y el insobornable posicionamiento ético.

La escritora e investigadora Ana Prieto Nadal, profundiza en el significado de la obra de Lluïsa Cunillé a partir del análisis de trece piezas estrenadas en el siglo XXI. El libro está magníficamente prologado por el catedrático José Romera Castillo.

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Tapa blanda. 204 pág, 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-6-9

Miguel Ángel Martínez (1974) es Doctor en Filología Hispánica por la Universidad de Las Palmas de G. C. y Máster en Escritura Dramática por la Universidad de Alcalá, ejerce como profesor de Lengua Castellana y Literatura en el IES Pérez Galdós y en la UNED. Conjuga a la perfección un cuidado lenguaje y una perfecta carpintería dramática, con una cierta musicalidad en sus textos, seguramente deudores de su faceta de poeta. Su visión escénica no se limita a parámetros clásicos, sino que es capaz de innovar formalmente. Las dos obras que ahora se publican tienen algo en común: un transfondo de historia reciente del siglo XX, aunque con un tratamiento muy diferente.
Números redondos, obra ganadora del “I Certamen Internacional de Textos Dramáticos Juan Luis Galiardo” (2016) es parte de esa dramaturgia más innovadora y presenta a partir de siete cuadros, situados de forma discontinua en diferentes planos espacio-temporales, la paradoja de las acciones humanas y sus consecuencias. El fotógrafo Robert Capa, un enfermo de Alzéhimer en Gran Canaria, Ángel Sanz Briz, el llamado Schindler español, soldados soviéticos y nazis, todos están relacionados de alguna manera en esta fascinante obra.
Corredera, “Accésit del XVII Premio Internacional de Teatro de Autor Domingo Pérez Minik” (2014) relata uno de los episodios más conocidos de la represión franquista
en Canarias, presentando la acción como verdadero mosaico de fuerzas internas que desencadenarán la tragedia.
El libro ha sido mágnificamente prologado por Jesús Páez Martín, profesor Titular de Literatura Española Contemporánea en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

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Tapa blanda. 244 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-3-8

Casandras engloba cinco obras de Diana M. de Paco Serrano, prologada cada una de ellas por una relevante figura del hispanismo, que compendian la ascendente trayectoria literario-dramática de la autora durante los últimos quince años.

Helen Freear-Papio señala que Polifonía parte de los mitos patriarcales, pero con el fin de destruirlos y crear en cambio unos nuevos mitos femeninos en los que se oye claramente la voz
liberada de la mujer.

En Espérame en el cielo... o, mejor no, Diana de Paco adopta una postura crítica feminista frente al tema del maltrato y lo desarrolla de manera original, puesto que la obra tiene lugar en una morgue forense, como indican sus prologuistas Susan Berandini e Iride Lamartina-Lens.

En Africa L., comenta Greta Trautmann, a través de un lenguaje ligero, cotidiano y vivo, se acerca a una temática profundamente sensible: en este caso el deseo de una adolescente de “pertenecer”, mientras intenta ordenar un mundo que no tiene sentido.

Para Rossana Fialdini-Zambrano, Morir de amor nos ofrece dos innovaciones interesantes. Por un lado, la decisión de optar por una sátira para hablar de un tema tan complejo como la violencia de género y un cambio notable y refrescante en cuanto a la construcción del personaje víctima, que es una mujer en proceso de cambio y con muchos deseos de actuar.

Casandra se configura como un bellísimo monólogo en el que la princesa troyana se dirige al público para hacerle partícipe de su tragedia, ser víctima de la maldición de un dios despechado y vengativo que la ha condenado a ver la verdad y a que nadie la crea, como indica Virtudes Serrano en su prólogo.

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Tapa blanda. 168 pág, 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-4-5

Un actor al borde del abismo, marcado a partes iguales por el éxito y el fracaso. Dos ferroviarios envueltos en un asfixiante clima de horror y muerte. Fernando el Católico y Germana de Foix en los últimos días de la vida del monarca. Dos parejas, una noche de bodas, un complejo juego de trampas, amor y mentiras.

La tetralogía Desgaste es un mosaico de personajes que viven y sufren realidades diferentes, ubicados en mundos alejados por el tiempo y la distancia. Sin embargo, todos comparten el peso de la derrota, la insatisfacción y la culpa.

La escritura de Iván Cerdán aborda, de manera directa y sin artificios innecesarios, esa sensación de asfixia, ese vacío tan reconocible para cualquiera que se acerque a estas páginas.

Los últimos días de Philip Seymour Hoffman, Maquinistas, El adiós de Fernando el Católico y Desgaste componen una tetralogía imprescindible. Tal y como afirma Fernando R. Lafuente, director del Máster en Cultura Contemporánea en el Inst. Univ. Ortega y Gasset y Secretario de Redacción en la Revista de Occidente, en el prólogo de esta edición, “en las obras de Iván Cerdán Bermúdez, la realidad es una página de niebla, una trama oculta bajo las palabras más sencillas, un misterio en medio de un laberinto”.

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Tapa blanda. 280 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402944

Carlo Goldoni (1707-1793) es uno de los más grandes dramaturgos de la historia del teatro, no solo italiano sino universal. El Café y El criado de dos amos son dos de sus obras más representativas, de las muchas que escribió. Técnicamente impecables, las dos son divertidísimas comedias llenas de personajes entrañables y situaciones hilarantes, plenamente vigentes hoy en día. Ambas fueron escritas entre 1745 y 1750 y traducidas poco después al español por Joseph Concha. Este es un personaje un tanto misterioso del que se sabe muy poco. Lo cierto es que debía de manejar perfectamente los resortes de la puesta en escena, ya que sus traducciones son un prodigio de adecuación a nuestro idioma.

 

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Tapa blanda. 280 pág, 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-945155-5-2

Edición y prólogo de Paula Simón Porolli.

El exilio republicano provocó que numerosas obras literarias quedaran dispersas en los países de acogida de esos hombres y mujeres que debieron alejarse de España al finalizar la guerra civil. El trabajo de recuperación ha sido, y continúa siendo, lento y sinuoso, aunque por momentos concede satisfacciones, como este volumen que ofrece al lector dos obras dramáticas inéditas de Francisco Madrid.
La vida dramática de Marie Curie, escrita en colaboración con Alejandro Casona, y La Isabela permanecieron durante años en un cajón de una casa de Buenos Aires, protegidas por la hija de Francisco Madrid. Estrenados en Argentina, en teatros de primer nivel, en 1940 y 1946 respectivamente, estos textos dramáticos aguardaban la posibilidad de ser acercados al público actual.
Francisco Madrid llegó a Buenos Aires a bordo del vapor Jamaique el 17 de octubre de 1936 junto a su esposa María Luisa Rodríguez y su hija Nuria. Inmediatamente entró en contacto con círculos de periodistas, escritores, directores de cine y demás hacedores culturales argentinos y españoles. Se ha reivindicado su tarea en el ámbito del periodismo, la crítica cinematográfica y sus incursiones en el mundo de la producción fílmica. Esta publicación responde al deseo de destacar su labor dramática, que también ha dejado una huella en la historia del teatro tanto porteño como español.
No es de menor importancia el hecho de que también vea la luz una obra inédita de Alejandro Casona, escrita en colaboración con Francisco Madrid, que contribuye a completar la
publicación de sus obras.
La edición y el prólogo de estas obras han sido realizados por Paula Simón Porolli, entusiasta investigadora del exilio republicano español.

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Tapa Blanda. 140 pag. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-94402937

En Cuatro Obras Políticamente Yncorrectas su autora, Juana Escabias, nos presenta un cuarteto de textos teatrales de perspicaz planteamiento escritos desde diversas perspectivas. El volumen lo componen Cautivas (protagonizada por un grupo de presas de las cárceles de Franco), No le cuentes a mi marido que sueño con otro hombre... cualquiera (sobre la crueldad marital), WhatsApp (un recorrido por el complicado universo de los adolescentes) y Crimen imperfecto (que explora las dificultades de la vida en pareja), e incorpora un estupendo prólogo de Eduardo Pérez-Rasilla. Juana Escabias es una reputada dramaturga, autora de una veintena de obras largas y numerosas piezas breves, publicadas, estrenadas y traducidas en la mayoría de los casos. En esta misma editorial ha publicado la biografía  inédita de la dramaturga del Siglo de Oro Ana María Caro Mallén, acompañada de una de sus comedias, El conde Partinuplés.

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Tapa blanda. 216 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402975

El conde Fernán González y la exención de Castilla, de Mariano José de Larra es una de sus obras de teatro menos conocidas. Que sepamos, no ha sido puesta nunca es escena. Escrita, al parecer, en 1831, no se pudo estrenar en su momento al no pasar la censura. Hasta 1886 no aparecerá publicada, muchos años después de la muerte de su autor, acaecida en 1837.

Junto a esta obra presentamos una selección de los artículos que Larra escribió sobre teatro. Entre los mismos trata tanto la situación del teatro de su época, como analiza los diversos estrenos que se produjeron en aquellos años. Imprescindible documento para comprender, también, el teatro de hoy día.

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Tapa blanda. 236 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402968

Este libro pone al alcance del público dos obras muy diferentes de José Luis Alonso de Santos: En el oscuro corazón del bosque y Nuestra cocina. Estos textos teatrales son parte de una dilatada y exitosa carrera, con toda seguridad la más coherente del panorama dramatúrgico español actual. Obras como Bajarse al Moro, La estanquera de Vallecas, La comedia de Carla y Luisa, Pares y Nines, Yonquis y yanquis, y tantas otras forman parte del imaginario, no solo teatral, sino colectivo de la sociedad española.

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Tapa blanda. 188 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 978-84-944029-9-9
Zaïre constituye el gran éxito teatral de Voltaire. Estrenada en 1734, en la misma se plantea la disyuntiva entre el amor y la fe. Xayra o La fe triunfante edel amor y cetro, es el producto de la traducción de esta obra que realizó en 1784 el ilustre dramaturgo Vicente García de la Huerta, cuya obra Raquel es considerada el paradigma de la tragedia neoclásica española.
Adélaïde de Guesclin es la otra obra de Voltaire que incluimos en este volumen. Se estreno el mismo año que la anterior en París y también es una tragedia centrada en la lealtad, el amor y el poder. La traducción que presentamos se titulo Floresinda y es uno de los primeros trabajos del gran dramaturgo Juan Eugenio Hartzenbusch, autor de Los amantes de Teruel. Esta traducción se realizó un siglo después, en 1830, y deja ya un cierto regusto al romanticismo imperante en esta época. La acción se traslada a periodo visigodo y las revueltas nobiliarias contra el rey Wamba.

 

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Tapa blanda. 212 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402982

Eduardo Galán es uno de los dramaturgos y productores más activos del panorama teatral español. Su ya dilatada carrera incluye la concesión de numerosos premios, así como el estreno continuado de sus obras. Entre las mismas se incluyen tanto adaptaciones de clásicos o autores extranjeros para las puestas en escena que produce, como la escenificación de sus propias obras. Entre estas últimas habría que recordar éxitos como “La curva de la felicidad”, “Mujeres frente al espejo”, “Hombres de 40”, “Maniobras” o “Última edición”, entre otras muchas. Su decidida apuesta por la comedia, siempre arraigada en el mundo que nos ha tocado vivir, se aprecia decididamente en las dos obras que componen este volumen: “Los diablillos rojos” e “Historia de 2”

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Tapa Blanda. 292 pag. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402920

George Gordon Byron, más conocido como Lord Byron, fue el más alto representante del romanticismo inglés. Sus tragedias encierran mucho más mérito del que se le ha querido conceder, moviéndose a caballo entre la tragedia alferiana de corte neoclásico y el incipiente romanticismo que se iba imponiendo por toda Europa, allá por 1820. Este volumen recoge sus dos obras de ambiente veneciano. Tanto Marino Faliero, como Los dos Fóscari, plantean tragedias en torno a las dignidades de sendos Dux de Venecia, que se debaten en intrincadas luchas de poder. Esta edición se basa en traducciones del s. XIX, arregladas y actualizadas por el editor.

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Tapa blanda. 212 pág. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402951

Ruy Blas es una de las obras dramáticas más importantes de Víctor Hugo. El personaje que da título a la obra es un advenedizo que por diversos avatares llega a conquistar el amor de la reina de España. Amor imposible que se verá envuelto en múltiples intrigas, cambios de identidad, engaños y malentendidos. La acción transcurre en la corte de Carlos II, el Hechizado, último de los Austrias españoles, allá por 1690 y tantos. El rey no aparece en una obra centrada en las intrigas palaciegas que se desarrollan alrededor de su segunda esposa, María de Neoburgo. La muerte sin descendencia del rey abrirá paso a los borbones en la corte de España con Felipe V, así como a sus decretos de Nueva Planta y a la controversia carlista, que derivará directamente de esta reina y su sobrino Carlos de Austria, que reclamarán el trono hispano

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Tapa Blanda. 208 pag. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402913

Este volumen presenta la biografía inédita de la dramaturga del Siglo de Oro Ana María Caro Mallén acompañada de una de sus comedias, El conde Partinuplés. La obra es una comedia de magia escrita según los cánones de la “Comedia Española” de Lope de Vega, y recrea en clave dramática las aventuras de un caballero hechizado y seducido por una joven reina. Tanto la edición crítica, la biografía inédita, como el estudio preliminar han sido elaborados por Juana Escabias, reputada dramaturga, directora de escena e investigadora teatral, que también ha publicado en esta misma editorial cuatro textos dramáticos propios bajo el título de Cuatro Obras Políticamente Yncorrectas.

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Tapa Blanda. 192 pag. 13,8 x 21 cm. ISBN 9788494402906

El teatro de Rodrigo García es un trabajo pionero en España en el estudio de este director de escena y dramaturgo hispano-argentino que ha llegado a ser uno de los autores-directores teatrales actuales más reconocidos del mundo. Incluye un análisis exhaustivo de tres de sus obras: After Sun, La historia de Ronald, el payaso de McDonald´s y Versus. El autor, Fernando Olaya Pérez, es antropólogo, historiador, teatrólogo y dramaturgo, y ha incorporado a este libro el inestimable prólogo del catedrático de literatura Francisco Gutiérrez Carbajo.

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